视觉艺术

视觉艺术是指某些物质的使用、材料、技术手法，创作供人们观赏的艺术作品，广义来说就是雕塑、绘画、摄影和其他艺术门类都属于它的范畴它不仅有多样的创作方法，也有多样的造型手法。艺术作品不仅包括二维和三维形式，还包括动态和静态的艺术形式。其中，三维空间艺术，如雕塑建筑艺术，常被称为造型艺术。此外，视觉艺术不同于听觉艺术，听觉艺术主要强调人 的视觉感受因此，包括视觉艺术和听觉艺术的艺术形式，如电影和电视艺术，通常被归类为综合艺术形式。狭义的视觉艺术通常指绘画、版画、油画、以观赏为欣赏方式的摄影及其他平面艺术作品。

视觉艺术对艺术的应用已经应用了艺术、装饰工艺品，但这些不能一概而论。在19世纪下半叶的英国工艺美术运动之前，视觉艺术家仅限于创作美术的艺术家（例如绘画、雕塑或者版画）没有工匠和工艺艺术家的参与。那些在工艺美术运动中高度赞扬自己艺术的艺术家，强化了视觉艺术家之间的差异。艺术学院认为工匠可以 t代表艺术，这让艺术和手工艺的区分更加明显。贵族特权绘画和雕塑的增长趋势远远超过其他艺术作品，成为西方和东方的特色。东方和西方的绘画在很大程度上取决于艺术家 的想象力，甚至需要劳动。在中国画中，人们最推崇的是大师级的画作，至少是受过理论训练的业余爱好者。西方艺术水平也表现出同样的态度。

视觉艺术不同于听觉艺术，它是用手看和摸的艺术，强调真实性。绘画艺术、雕塑艺术、服装艺术、摄影是一门传统的视觉艺术。影视艺术、动漫艺术、环境艺术，这三种视觉艺术虽然存在的时间不长，但是发挥了很大的作用影视艺术和动画艺术属于综合艺术，既是视觉艺术，也是听觉艺术。环境艺术是一门新兴的学科，它在环境规划中发挥着巨大的作用，帮助人类生活，使城市规划更加人性化。因此，环境艺术是一种很好的视觉艺术形式！

视觉艺术的研究还包括视觉文化的研究和对视觉世界中观念性因素的分析和研究。以色彩为例，学习色彩不仅包括运用色彩的各种技术手段，还包括更广更深更复杂的问题，需要了解各种色彩的象征意义，各种色彩引起的情绪反应，全面了解不同历史阶段和文化中色彩运用的各种微妙问题。

从人类文化开始到现在，通过人类创造的视觉形象来传递信息，一直是人与人之间最基本的交流方式。这些视觉图像就是我们今天所说的“视觉艺术”它们对人类历史文化的传承和人与自然的关系产生了深远的影响的精神生活。视觉艺术是传达信息的一种方式“语言”它有自己的结构和规则，就像我们通常使用的口语和书面语一样。我们要想通过自己的眼睛去了解和理解视觉艺术所传达的信息和意义，就必须能够在一定程度上理解和感受视觉图像语言。

正如我们打算用英语阅读和写作一样，我们必须了解英语词汇和语法之间的关系。我们有理由相信：一个人对视觉艺术的语言有特别的了解，一个人没有对这种语言一无所知在观看同一部作品时会有完全不同的观看结果和感受。就像著名的心理学家鲁道夫。阿恩海姆在他的《视觉思维》中所说的：有经验的外科医生、机械师和生理学家正在观察一种伤口、当你在机器和显微镜下观察标本时，你会看到一些新手能看到的东西我看不见。总之，知识可以改变我们所看到的。本课程旨在通过向学生提供全面系统的视觉艺术语言知识，帮助学生提高理解和感受视觉艺术语言的能力，真正通过自己的眼睛欣赏视觉艺术。

一位瑞士语言学家首先提出视觉艺术是一种使用不同符号的图像语言，这一观点已被广泛认可。作为对话过程中的基本语言。不同形式的视觉艺术作品背后都有各自的内涵。例如，作为法国人民的礼物，已经竖立在美国纽约港的自由女神像，就有着基于全世界人民共同理解的内涵。然而，现行的美国移民法和相关的司法实践，以及911以来的一些其他政府行为，使这一原始内涵具有了讽刺意味。中国圆明园遗址上残存的石柱形象，在中国当代人中有其自身的内涵，可能外国人并不了解。

视觉艺术是一种语言，最初也是一种宣传载体：西方视觉艺术长期以来被视为宗教宣传的重要手段，也是少数权贵及其生活方式的记录工具。所以当时的西方视觉艺术除了宗教宣传之外，把人民拒之门外。书法和绘画，作为中国传统的视觉艺术，一直是当时社会优秀人士心灵对话的共同语言，和浮雕/圆雕和壁画也被用作宣传佛教的载体。在宣扬国家社会主义和种族优越论的第三帝国，绘画和雕塑被广泛用于有效宣传这一思想和理念；在苏联，苏伟 艾搞社会主义，绘画和雕塑一度被打着社会主义现实主义的标签，作为宣传社会主义思想的载体/工具。

既然视觉艺术是一种社会对话的图像语言，那么对话双方就必须对同一图像符号所代表的社会内涵有基本相同或相近的理解或基本认同。在传统的视觉艺术形式下，艺术家通常使用娴熟的技巧来复制人们普遍认为自然美丽的人或事物。这种基于载体的复制技术，在没有摄影技术的年代，显得尤为可贵。

视觉语言是由基本视觉元素和设计原则组成的一套规范或符号系统，用以传达意义。其中，基本要素包括：线条、形状、明暗、色彩、质感、空间。它们是作品的基础。相当于盖房子需要的砖、瓦、水泥、钢材等等。也类似于书面语中的词与词。设计原则包括：布局、对比、节奏、平衡、统一。它们是艺术家组织和使用基本元素来传达思想的原则和方法。艺术家根据各种需求选择相应的材料和表现形式（雕塑或是绘画、比喻或抽象等）运用一定的原理和方法，将各种元素之间的关系控制在一定的范围内，最终形成能够传达特定信息的形象。

史前艺术】Prehistoric art）指在有文字记载的历史可考之前的艺术。如西班牙阿尔塔米拉的岩画，法国南部拉斯卡的岩画。

古代埃及美术

古代埃及美术】埃及进入奴隶社会后，国王（即法老王）是奴隶主阶级的最高领袖，也是太阳神和尼罗河神的化身。他们活着的时候是世界之王，死后还是冥界的统治者。埃及人的宗教观念是，人死后，灵魂只是离开身体，漂浮在宇宙中，如果回到身体里，就可以复活。所以埃及人制造了尸体“木乃伊”保存完好，并十分重视制棺和建墓，以祈求复活。所以埃及人非常重视保护法老和奴隶主的尸体，不惜代价修建陵墓。这就是举世闻名的埃及金字塔的由来。由于担心尸体腐烂无法复活，他们想到用石头雕刻国王、公主的画像被保存了下来。国王想在阴间享受所有的欢乐，于是想到把所有的东西都画在墓墙上以供享受。这样就发生、发展了埃及雕塑、绘画艺术。古埃及艺术是平面的、装饰性和高度风格化的特征。

古代希腊美术

古代希腊美术】真正的欧洲艺术应该从古希腊开始。希腊艺术的地理范围以爱琴海为中心，因此也被视为爱琴海艺术的延续。雪莱曾在一首诗中说：我们都是希腊人。希腊是欧洲文明的发源地和摇篮没有希腊，无法想象欧洲文明会是什么样子今天，西方世界到处都有希腊文明的传统。然而，除了生活在希腊半岛的公民认为自己是希腊人之外，很少有人认为自己是像雪莱那样具有哲学想象力的希腊人。那么谁是希腊人呢?

历史表明克里特岛的征服者、——特洛伊的毁灭者迈锡尼是希腊最早的居民之一。后来成为北方蛮族的奴隶，逐渐分裂为多利安人和爱奥尼亚人他们都有相同的信仰和语言，所以他们被称为希腊人。希腊”一词意为典雅、优美。后来创作了许多雕塑杰作的希腊人，都与这种优雅相融、美之名，名副其实。希腊三面环海，北临欧洲大陆。境内有许多天然港湾，可通过地中海通往世界各地，为航海和对外贸易提供了非常有利的自然环境内陆多山贫瘠，却盛产大理石，为雕刻艺术提供了非常便利的材料。

视觉艺术

公元前12世纪，爱琴海文明遭到北方蛮族入侵的严重破坏。然而不屈的希腊人在这个曾经富饶的文明废墟上重新建立了灿烂的希腊文明，成为了欧洲文明的真正始祖。在进入奴隶社会的希腊半岛，建立了200多个奴隶城邦每个城邦以城市为中心，加上郊区农村，形成大小不一的国家，各自为政。其中最强大的是雅典和斯巴达。因为国穷民穷，为了生存和发展，城邦之间战争不断，弱肉强食为了保存自己和掠夺财富，城邦实行强国强兵政策，城邦内部实行民主政治，自由民直接参与城邦的治理，非常重视国民身体素质的锻炼，所以管理国家、锻炼是每个公民的神圣职责。希腊气候宜人，日照充足，气温适中，适合在这样的自然条件下进行户外裸体运动和比赛。因为裸体运动，人们的观念变了，不以裸体为耻，反而以健美为荣，引起了美学家的关注和艺术家的表现唯美主义者发现了人体的美，艺术家创造了美丽的人体。伟大的政治家伯里克利说过：我们是爱美的人。希腊民族是爱美、创造美的民族。

在民主自由和激烈竞争的环境中，希腊人不仅发现、它孕育并创造了美，也创造了神在希腊人眼里，最好的人就是上帝所以希腊人尊重人，把人上升到神的高度神和人是同一的希腊人把强健的身体视为一切善与美的本源，把希腊神话视为艺术的精神源泉，正如马克思所指出的：希腊神话不仅是希腊艺术的宝库，也是它的土壤”因此，希腊艺术的主要成就表现在神人合一的雕塑和神庙建筑上。希腊艺术的主要特征是无所不包的和谐与规律，以及庄重与寂静。它的主要标志是人体之美，希腊人为人类贡献了一个高不可攀的艺术典范。

古罗马美术

古罗马美术】罗马艺术是希腊艺术的直接继承和发展，共同奠定了西方文明的基础，成为西方文明的摇篮。当马其顿和希腊建立起横跨欧亚非三大洲的大希腊帝国时，在意大利半岛的台伯河流域又崛起了一个国家经过大约600年的发展，终于成为一个强大的帝国，这就是罗马大帝的王国。公元前146年征服希腊大陆，公元前30年击败埃及托勒密王朝从此，包括希腊本土在内的原本由希腊统治的广大地区，全部被纳入罗马帝国的版图。罗马成为希腊后的西方政治、文化的中心。

罗马的艺术本身并不发达罗马人在征服许多文化艺术繁荣的国家时，把那里的大量艺术品，尤其是雕塑和绘画作为战利品运到罗马，同时也带走了许多受过良好教育的艺术家、工艺师、工匠等奴隶和人质聚集在罗马，为罗马文化的繁荣提供了优越的条件。据说当时罗马的人口只有6万，但是几十万的希腊雕塑被一抢而空。正如罗马著名诗人贺拉斯所说：被占领的希腊使野蛮人的主人成了囚犯，她把艺术带给了粗鲁未开化的拉丁。

罗马和希腊都是奴隶制国家和半岛国家，但罗马人主要以农业为生，在与自然的斗争中培养了对客观事物的冷静思考和求实精神，所以实用主义是罗马人的风格，与罗马人不同“外向型扩张”希腊人的浪漫气质。这就决定了罗马的艺术观是现实主义的、现实主义，缺乏幻想和想象力。罗马人也有神话，但沿用了希腊名，只是改成了罗马名，比如美神和爱神希腊人称之为阿芙罗狄蒂，罗马人称之为维纳斯。

罗马人信奉多神教，祖先的灵魂经常来到家族中享受祭祀，保佑家族成员。在有地位的贵族家庭里，总是会设置房间来保存祖先的遗骨。这种遗骨是用死者面部制作的蜡像面具，或者是根据面具制作的雕像。这种保存祖先肖像的习俗是古罗马肖像雕塑盛行的社会原因。

罗马人在很长一段时间里直接用面具制作人像雕塑。古罗马最早的青铜人像是利用希腊人和伊特鲁里亚人创造的青铜复制技术，按照面具铸造成青铜人像。这幅人像酷似真人，没有艺术创造力，但却奠定了罗马人像特别注重面部细节刻画的基础。罗马人像的精神气质主要是通过头部来表现的，而希腊人是通过肢体动作来传达的因此，没有了头，罗马雕像的其余部分就毫无意义，而希腊雕像的生命则充满了身体的各个部分，即使只剩下断臂，也依然能给人以独特的生命力和美感。

古罗马人像雕塑的审美追求在于求真求美，类似古希腊的宁静、理想化的优秀是很不一样的，它倾向于个人意志的创造，表现出敢于参与世界以取得胜利的精神。

中世纪美术

中世纪美术】中世纪是指欧洲的封建社会，一般从公元476年西罗马帝国灭亡到1640年英国资产阶级革命。但在艺术史上，通常指的是5世纪到15世纪恩格斯说，意大利诗人但丁是中世纪最后一位诗人。

作为欧洲封建社会的一个重要特征，它是政权与基督教统一的统治，基督教成为封建统治的强大支柱和人民的寄托的精神生活。基督教是在1世纪罗马帝国统治下的犹太巴勒斯坦地区产生的。由于奴隶主对广大奴隶阶级的残酷统治，广大人民过着非常悲惨的生活，在愤怒和绝望中把希望寄托在来世和救世主身上，从而人为地创造了一个神。传说中的救世主耶稣基督诞生了。

基督教是由耶稣和他的门徒在巴勒斯坦创立的。那么上帝在人间的化身耶稣是一个什么样的人呢？根据《圣经》，：圣母玛利亚是在犹太伯利恒的木匠约瑟的家中由圣灵怀上的，30岁时开始传讲上帝“福音”收了12个门徒，都是牧羊人、渔民和无助的穷人。跟随耶稣到处传道，宣扬基督来到人间是为了拯救人类，建立幸福“天国”宣扬上帝的最终目的是审判和惩罚恶人，奖励好人。基督教一经产生，就有强烈的反对罗马帝国统治的倾向，因此遭到严厉的镇压，直到公元4世纪罗马皇帝狄奥多西一世宣布基督教为国教，从此登上了统治者的宝座，成为封建社会的精神支柱。

自从基督教被宣布为国教后，它就与政权融为一体，享有至高无上的权力教皇被认为是上帝的代理人，国王只是教皇的仆人，政治权力成了宗教权力的奴隶。这种社会现实必然决定了这一历史时期文化艺术的发展方向。教会和封建统治者把艺术作为他统治的精神工具。麻痹人民，毒害人民，作为宣传教义形象的手段，所以在历史上，充满教会思想和内容的中世纪艺术被称为“基督教美术”

基督教艺术的主要功能是塑造崇拜形象，用偶像引导信仰，成为宣传家“石头圣经”基督教艺术也是装饰美的一种表现不仅仅是为了满足视觉审美，更重要的是为了展现教堂内部空间的神秘，让信徒们仿佛置身于一个超现实的天国。基督教艺术其实只是宗教教义的图解，所以面对文盲的广大信徒必须言简意赅，一目了然，具有精神上的感染，这就形成了中世纪艺术的独特风格，成为一种超现实的精神形象符号，充满了非自然的神性，没有人性。

欧洲文艺复兴运动】欧洲文艺复兴最早起源于14世纪的意大利，正如恩格斯所说：中世纪的结束和今天的开始资本主义时代是意大利诗人但丁写的（1265-1321年）具有代表性的是，他是中世纪的最后一位诗人，也是新时代的第一位诗人。意大利位于地中海地区的中部、世界之心 中世纪美国最大的贸易区。佛罗伦萨、米兰和威尼斯都是当时的水陆交通枢纽和贸易集散地，是工商业最早出现的地方、萌芽中的资本主义也是文艺复兴的发源地。

所谓文艺复兴，是新兴资产阶级针对中世纪被宗教扼杀的古希腊罗马以人为本的科学文化的复兴而发起的意识形态领域的革命。从拜占庭灭亡中抢救出来的手稿，从罗马废墟中挖掘出来的古代雕像，再现了那个时代的光辉形象。人们打着“回到希腊去”的旗号。实际上，新兴资产阶级召唤古希腊的亡灵不是为了重建奴隶制文化，而是为了借用有利于资产阶级需要的科学、哲学艺术与人文主义；就是借用他们的名字、战斗口号和大衣，从而穿上这种久负盛名的服装，用这种借来的语言演绎世界近代史的新场景。意大利作为古罗马的后裔，是古希腊罗马文化的直接继承者。

意大利文艺复兴首先在佛罗伦萨发展起来，然后向其他地区蔓延，在佛罗伦萨形成了一些既有艺术成就又有地方特色的画派。除了强大的佛罗伦萨学派，达·芬奇去了米兰为米兰大公服务，组建了米兰画派；布拉曼特米开朗基罗拉斐尔前往罗马为教皇服务，形成一座纪念碑，象征着宏伟、以力量为特征的罗马绘画流派。到了16世纪，继佛罗伦萨的辉煌之后，最后一位达到文艺复兴艺术巅峰的大师被公认为丁托列托。

意大利文艺复兴可以分为早期阶段、盛期和晚期。一开始佛罗伦萨是中心，从乔托到波提切利；盛期主要以达·芬奇米开朗基罗和拉斐尔的艺术成就就是标志；后期，提香作为威尼斯画派的代表而闻名。

佛罗伦萨之所以成为意大利文艺复兴的发源地，在于其地理和自然条件它位于阿诺河畔，是水陆交通要道，并发展了手工业和商业贸易；有深厚的古罗马、中世纪文明基础；社会各个阶段对艺术的需求，特别是以美第奇家族为代表的统治者对艺术创作的提倡和保护，促进了艺术的繁荣和发展。佛罗伦萨作为早期文艺复兴的代表，以其艺术理念而闻名、艺术主题和艺术表现都形成了自己鲜明的个性特征：艺术的内容仍然基于传统基督教的《圣经》故事，但自乔托以来，画家们一直在努力探索如何将世俗的现实生活注入到上帝 的形象，把神从神坛上拉下来变成凡人，让他们的宗教人物变成有血有肉有思想有感情的人。所以他们引进科学成果，把解剖学、将透视和光学原理运用到艺术创作中，塑造真实的人物和真实的空间关系；艺术语言强调明暗素描造型，在构图上追求对称、均衡和谐。

达·芬奇、米开朗基罗和拉斐尔主宰了画坛，标志着文艺复兴的到来他们的艺术创作不仅直接描绘了现实生活中的真实人物，还将他们的社会理想赋予了宗教神话和故事、审美理想和思想感情。他们在佛罗伦萨、米兰和罗马展示了巨大的艺术成就，用他们的智慧和力量建立了绘画和雕塑的纪念碑。位于亚得里亚海沿岸，背靠意大利半岛、面朝东方的威尼斯是一座与佛罗伦萨和罗马完全不同的意大利海上城市它是商业和贸易的中心，是资本家聚集的地方，是为世人建立的人类享受的天堂威尼斯人声称他们的家乡是“世界的珍宝箱”16世纪的威尼斯什么都有，除了上帝控制。在这个奢华淫糜、在一个辉煌的城市中，占主导地位的是美，尤其是绘画艺术，而不是科学和知识，因为它不仅能创造美，而且能通过绘画中的形象使现实美和理想美永存。画家虽然没有什么社会地位，但往往会成为教皇、国王和贵族资产阶级的所在地。能与佛罗伦萨并驾齐驱的伟大画家乔尔乔内就诞生在这座城市、提香和他们的弟子威罗尼、丁托雷托等。由于威尼斯是海上贸易的商业中心和美丽的水城，这里产生的艺术在内容和形式上都与佛罗伦萨有很大的不同。

佛罗伦萨 威尼斯的美术倾向于宗教，而威尼斯更多的是描绘古希腊神话和故事。纵情欢乐享受，以爱为主题、酒宴、裸体女神为多；画面的形象充满了激情和想象，充满了生动性、明朗、欢乐的气氛，小悲小悲。狄维妮斯，皮肤丰满，头发金黄，衣着华丽，是威尼斯社会中娇艳的女人，散发着人性的光芒。画家迎合王子、贵族的快感需求不仅刻画了美丽的裸女，还配以美丽的自然风光。为了充分表现这种美，画家们非常重视色彩的创造，他们非常善于从大自然中发现和表现出无限的色彩变化。如果佛罗伦萨的画家重视素描，尊重构图的对称性、平衡与和谐，然后威尼斯的画家们尽力传达色彩和激情，这为欧洲现代油画的发展奠定了基础。

样式主义】风格主义，又称矫揉造作或风格主义，是指意大利文艺复兴艺术向巴洛克艺术过渡时期的一种特殊艺术现象，不同于文艺复兴及后期巴洛克艺术的高贵和谐，历史学家对这一时期的艺术风格的称呼如下“矫饰主义”或“样式主义”艺术家有意识地追求一种更极端的形式，热衷于用复杂的形象和动作来表达自己内心的骚动和压抑的情绪。风格主义美术的主要特征是：题材中有不少裸体人物，姿势怪异扭曲，肌肉发达夸张作品的思想内容晦涩难懂，让人难以理解；画中的情节往往不出现在视觉中心，模糊地处于次要地位。

巴洛克艺术

巴洛克艺术】所谓“巴洛克”意大利的意思是怪诞的做作；葡萄牙语意为不规则的珍珠。它是一个贬义词，人们借用巴洛克这个词来嘲讽这种风格的艺术。它产生于17世纪的意大利，然后影响了欧洲天主教盛行的国家，因为它的社会支柱是宗教，随着宗教的传播可以传播到宗教地区。巴洛克艺术的主要特征如下：因为它服务于教会的上层阶级和贵族，为了宣扬宗教，满足享乐的欲望，不惜重金建造豪华宫殿、住宅建筑和大量的装饰画、雕刻使它看起来壮观和华丽。

文艺复兴艺术强调理性的宁静与和谐；而巴洛克艺术则强调非理性的无限幻想和幻觉，试图打破和谐与平静，在雕塑和绘画中充满紧张的戏剧性气氛。建筑体现了丰富多变的结构，激情和强烈的运动感是巴洛克艺术的主要特征。作品反映了作者和s内心复杂的思想和情感，不仅外在形式令人兴奋，内容也令人不安形象中的运动感是巴洛克艺术的灵魂，其内容充满激情，其形式则充满了强烈的运动感。巴洛克艺术作品给人的感觉是一直在运动，节奏和旋律强烈而复杂，明暗对比强烈造成运动感和不稳定感。曲线和椭圆在建筑中被广泛使用。巴洛克艺术非常重视空间关系的处理，表现出立体的艺术形象绘画依靠光线造型，追求空间纵深感建筑和雕塑强调层次和深度，试图打破平面。巴洛克艺术也强调综合艺术处理，一般都有建筑、雕塑与绘画的融合也包括绘画与雕塑的相互融合、造型和环境的合成也包括自身部分的合成。因为巴洛克艺术受到宗教支持的庇护，所以不可避免地充满了浓厚的宗教色彩。不同国家的巴洛克艺术、不同的社会背景有不同的艺术风格：在天主教占主导地位的意大利和佛兰德斯，宗教势力主导的罗马巴洛克风格占主导地位；在君主专制、在王权至上的法国，古典风格是主流；但是在资本主义比较发达的荷兰和英国，现实主义的市民艺术比较流行。

洛可可风格

洛可可】rococo）18世纪的一种艺术和室内装饰风格，尤指路易十五统治时期。洛可可风格是在意大利巴洛克全盛时期的精致曲线基础上改进的结果，形式更苗条，色彩更鲜艳。洛可可风格是路易十四的庄重、对奢华的古典艺术风格的反叛。致力于展现相当琐碎的宫廷生活的轻松、亲密的场景有时会表现出田园风光。以魅力和做作为特点。主要代表是华佗、布歇和弗拉戈。

学院主义

学院主义】the practice of formalities for formalities sake）与学术标准和原则一致。这个词也用来表示受学院派影响的反传统作品中的某些成分。

学院派绘画

学院派绘画】一般来说是指通过学院严格训练、师生相传、带有保守性质的多层绘画。作为艺术史上的一个学术流派，它起源于16世纪的意大利，随后流行于欧洲，达到18世纪、19世纪的美术学院。最早的美术学院是由意大利的卡拉奇兄弟创建的，于1590年在博洛尼亚学院成立他的成就在于结束了古老的行会师徒制、手工作坊式的教育，让整个美术教育有了很大的提升。后来美院强调要继承文艺复兴时期的古典艺术，追求形式的卓越和内容的高雅。一个重要的代表画家是卡拉奇、列尼、勒·布朗、布格罗、大卫、安格尔等等。

浪漫主义

浪漫主义】romanticism）一种强调个性、情感、戏剧艺术风格，通常具有异国情调、表达文学或历史主题。浪漫主义运动兴起于19世纪，是对严肃的新古典主义的回应（neoclassicism）叛逆也是这个时代革命精神的体现。绘画中的代表人物是法国的德拉克洛瓦和杰里科、英国的特纳。在雕塑领域，有路德和巴亚。艺术史学家一般用古典主义和浪漫主义这两个词来表示艺术和建筑中的两个基本概念、对立的态度。

现实主义

现实主义】法国绘画经历了从古典主义到浪漫主义的发展，浪漫主义逐渐脱离了当时的社会现实。在这种背景下，一些进步艺术家认为艺术应该以现实生活为基础而提出“为生活和人民而艺术”口号，产生了现实主义的艺术思潮。现实主义艺术家赞美自然和劳动，深刻而全面地展示了现实生活的广阔图景，特别是描绘了普通工人的生活和斗争此时此刻，工人才真正进入艺术殿堂，成为绘画中的主要形象，自然也作为一个独立的题材受到现实主义画家的喜爱。

我们这里所说的现实主义是法国艺术发展过程中特有的艺术现象，特指19世纪产生的艺术思潮，当时称为“写实主义”这个学派无疑使用了现实主义的艺术创作方法。它的哲学观是实事求是，这就导致了它的审美观是真即美、以真实为美是现实主义的主要特征。法国社会的阶级对立和斗争，反映到绘画界，就成了古典主义和浪漫主义的争论一些画家对这一切不屑一顾，悄悄走进巴黎郊区枫丹白露森林附近的巴比松村他们都无限热爱自然，主张直接描绘大自然中五彩缤纷的景色它们描述了大自然的丰富和神奇、美丽和内心生活是一生的追求。他们从不把自己的艺术信仰强加给别人，因为他们都生活在巴比松村，一起描绘自然，所以这群画家被称为“巴比松画派”，主要代表是塞库洛、卢梭、和特罗容等。

印象主义

印象主义】19世纪下半叶在法国兴起的一个绘画流派。这个名字来源于1874年这个学派的作者举办画展时莫奈的一幅画《日出印象》。该派反对当时学院派保守的思想和表现手法，采用直接描绘室外阳光下的景物的创作方法，在光色的变化中追求物体的整体感和氛围，主张根据太阳光谱中呈现的红橙黄绿蓝紫七种色调来反映大自然的瞬间印象，这与以往宗教神话和陈翔殷 米黄色调，使欧洲绘画出现了运用光与色的原理来加强表现的新方法，对绘画技法的革新产生了重大影响。代表画家有莫奈、毕沙罗、西斯莱、雷诺阿等。

后期印象主义

后期印象主义】广义上是指继承印象派并加以改变的不同流派。狭义指塞尚、凡·高、高更等人的创作方法。他们接受印象派的色彩方法进行创新，不满足于印象派 s对自然的客观描写，但强调主观感受的再创造，一般不表现光，而注重色彩的对比、体量感和装饰感等。对后来的野兽派和表现主义影响很大。

象征主义

象征主义】自1885年以来，在文学和造型艺术领域，以象征主义的名义对理想主义的反叛同时发展画家和作家不再致力于忠实地表达外部世界，而是通过象征主义、隐喻性和装饰性的图片来表达虚幻的梦想，以激励人们。象征主义的代表画家主要是莫罗、夏凡纳和雷东。象征主义画家没有创造一种新的形式，他们只关心诗意的表达、玄理的揭示。象征性绘画是一种基于感觉的对新内容的探索，不是基于理性或客观的观察，而是基于超越表象直觉的内在力量和想象。

纳比派

纳比派】世人公认塞尚、凡·高更和高更是20世纪现代艺术的奠基人，无论是在世还是去世，他们的影响力都是有限的。是一个小的艺术家流派，纳比派，继承了他们的思想，并传播给了20世纪的先锋派画家。

1888年夏天，24岁的塞鲁西耶在法国西北部布列塔尼的阿旺桥遇见了正在那里作画的高更高更刚刚画完《雅各与天使在搏斗》，很主观、具有神秘意义的象征性色彩征服了这位年轻的画家。他后来跟随高更到了一个叫做“爱之林”森林素描中，高更指出了色彩的神秘：树应该是什么颜色？你看到更多或更少的红色吗？很好，在照片的那部分加上红色。影子呢？要是那里有一点蓝色就好了。然后你把最漂亮的蓝色放在调色板上！塞鲁西耶听着，根据高更 的说明他把这幅画带回了他正在学习的巴黎朱利安学院旁观者是博纳尔、维亚尔、兰森、瓦洛通等。他们突然变成了高更，并把这幅小画叫做塞鲁西耶“护符”让你自己幸运地得到这个“福音”的一伙人称着“纳比”即希伯来语中的“先知”这就是纳比派的由来。

纳比学校接受高更 的艺术影响，并从事新的探索和发展：高更 的综合理论导致了象征主义的严肃性、简化变形的装饰风格，即将自然移植到智慧和想象的领域。有两种变形：基于纯粹的美学和装饰理念以及一些着色和构图技术原则的客观变形；主观变形使画家 自己的感情进入绘画表现。

纳比从塞鲁西耶寄来的“护符”从开始到结束 《向塞尚致敬》。这表明纳比学校 其自身的价值仅在于澄清塞尚和高更的视觉方式。这是一种强调自我的观察方法■更多的精神观察。然后纳比派分裂成分离主义者、综合派、新传统派。

野兽主义

野兽主义】20世纪初，西方现代艺术开始形成最初的前卫艺术运动是“野兽主义”野兽”这里用这个词来形容他们绘画中令人惊叹的色彩和扭曲的形状，显然与大自然的形状完全相反。

1905年法国秋季沙龙展，展出了以马蒂斯为首的九位青年画家的作品因为惊人的画风，舆论一片哗然。评论家路易·沃克塞勒在一幅带有野性色彩的画中间看到了一幅马古的作品，它模仿了文艺复兴早期意大利雕塑家多那太罗的风格，于是他随口说道：多那太罗被一群野兽包围了。此后，这群画家被称为“野兽主义者”

视觉艺术—野兽主义

以马蒂斯为首的这一批青年画家并不满足于象征主义的神秘色彩，而是主张彻底净化色彩，以表达画家 更清楚的感受。表达感情是兽画家的目的。野兽派画家弗里茨将野兽派定义为：通过色彩的交响手法，同样可以达到阳光的效果。狂热的移写（出发点是被自然感动）在火热的追求中建立真理的理论。

野兽主义的主要原理是通过色彩作为光的作用来达到空间管理的效果，都采用无造型无错觉的平面绘画，手段要提纯简化，用构图来达到表情与装饰的绝对一致，即动的暗示和内在的秩序。马蒂斯说过：构图是画家用装饰的方法排列不同材料来表达感情的艺术。

野兽派画家广泛使用粗糙的主题和强烈的色彩来庆祝性情的激烈表达，依靠结构原则，不考虑体积、物体和明暗，用纯单色代替透视。马蒂斯 的老师莫罗曾经对他说：你必须简化绘画。因此，作为万物有灵论的代表，马蒂斯顽强地将色彩恢复到了它原本的力量单纯和表达意义。野蛮主义始于1905年，在1908年变得消沉，然后被立体主义取代。

立体主义

立体主义】cubism）尤其是1907年的毕加索和布拉克—创建于1912年的一种绘画风格，从多个角度看物体，创造物体的三维效果，同时保持画面的平面特征。它是一种半抽象的风格，标志着抽象艺术的开始，并延续了塞尚在20世纪80年代末开创的从复制艺术中分离出来的趋势。它将成为未来几十年许多画家的灵感来源，也是脱离传统的象征。

表现主义

表现主义】expressionism）强调强烈的情感表达而不是遵循传统的现实主义和比例规范，从而导致线条的绘画原则、形状、颜色的变形。梵高野兽派等印象派画家成为表现主义的先驱。

未来主义

未来主义】1909年2月20日，意大利诗人马里内蒂在巴黎发表《费加罗报》。一方面，宣言歌颂现代工业文明、科学技术彻底改变了传统的时空观念“壮丽的世界获得了一种新的美，速度之美”所以主张未来的文艺应该反映现代机器文明、速度、力量和竞争；另一方面，它诅咒一切旧的传统文化，一扫古罗马以来的一切文化遗产，主张摧毁一切博物馆、图书馆和学院。他们高喊：干起来吧！点亮图书馆的书架！画条河，淹没一切博物馆画廊，是吧！看着那些装腔作势的古画被撕得褪色，随着潮水漂浮在水面上，是多么幸福的事！举起你的斧头和锤子，毫不留情地摧毁那些被奉为神明的城堡！

1910年3月8日，画家博楚尼、卡拉、巴拉等人也发表了《未来主义的创立和宣言》作为回应，并在4月初发表了《未来主义画家宣言》宣言，说明他们的绘画技巧本质上还是来自立体主义。他们在立体主义的多视点中加入了速度和时间的因素。

雕塑主义

雕塑中的未来主义是由博楚尼实践的，他在1912年4月11日出版了《未来主义绘画技巧宣言》，宣布“绝对彻底地抛弃外部轮廓和封闭的雕塑，让撕开人体，包括其周围环境”1914年7月11日，圣玛丽亚出版了《未来主义雕塑宣言》，主张用机械结构和新材料代替传统建筑材料，而城市规划要与人口集中和快速交通相得益彰，并建立地下铁路、滑动人行道和立交路网“未来城市”计划。并用钢铁、玻璃和布而不是砖块、石头和木头来获得理想的光线和空间。而《未来主义建筑宣言》呼吁人们废除暗淡的颜色、线条沉闷的新衣换成了色彩鲜艳线条运动的新衣。到1918年战争结束时，这种体裁实际上已经结束了。

抽象艺术】abstract art）对实物的描绘已经被认为是次要的，或者说任何描绘实物的艺术已经被完全抛弃，其审美内涵是通过形式的、线、显示了颜色的形式结构。有时，主题是真实的，但为了不被认出来，它变得非常程式化、模糊、重复或打破它的基本模式。出现在艺术品和装饰品中的抽象元素或倾向贯穿了整个艺术史，从新石器时代的石雕开始。然而，抽象概念作为一种美学原则始于20世纪初毕加索和布拉克立体派的发展。

抽象表现主义

抽象表现主义】abstract expressionism）二战后，欧洲人大量涌入美国，推动了美国现代艺术的发展。艺术生中的年轻艺术家纽约的工会成立了一个组织，称为“抽象表现主义”公开举办展览，在纽约掀起了抽象表现主义运动，影响很大。纽约和19世纪末的巴黎一样，成为了现代艺术的中心，直接受到了欧洲先锋派艺术家的影响。两位德国画家汉斯对美国现代艺术做出了贡献·霍夫曼和约瑟夫·阿伯斯。

波普艺术

波普艺术】popart）主要来源于商业艺术形式的艺术风格（也被称为新现实主义和新达达主义），特点是把流行的文化物品，比如漫画书、印有商标的大众食品和包装，很大程度上是抄袭的。它是20世纪50年代末在纽约发展起来的。20世纪60年代中期，波普艺术取代抽象表现主义，成为美国占主导地位的先锋派艺术。主要赞助商是贾斯珀·约翰斯，罗伯特·劳申伯格、安迪·沃霍尔、拉里·里弗斯、克莱·奥顿伯格、利西滕斯坦、乔治·西格尔和罗伯特·印第安纳等人。

超现实主义

超现实主义】superrealism）受弗洛伊德影响的一种艺术表现形式强调荒谬的美国精神分析它原本是一场文学运动，是达达主义的副产品。1924年发表的一份文学宣言确立了超现实主义。

达达主义

达达主义】Dada）第一次世界大战期间始于苏黎世的一场艺术运动。它的名字来源于1916年的字典，随后在欧美广为流传。这场运动的创始人是艺术家汉斯·Alp和作曲家特里斯坦·扎拉，雨果·鲍尔和理查德·赫森培克。他们的信条“所有被艺术家唾弃的都是艺术”以及他们不同寻常的涂鸦和自动书写方式，在社会上引起了很大的争议和愤慨。达达主义的实践者也认为，艺术精品是从现成的东西中产生的、现成艺术品、拼贴和其他历史上不可接受的材料和技术。其重要艺术家有：马塞尔·杜尚、马克斯·恩斯特、汉斯·阿尔普、弗朗西斯·皮卡比亚、曼·雷和库尔特·施维斯特。杰出的达达主义作品包括杜尚和s 《泉》，它用一个陶瓷小便池来说明达达主义 的观点，目的是从平凡的场景中升华出平凡的事物；他拍摄的留着胡须的蒙娜丽莎的照片典型地反映了达达主义者 对传统的反偶像崇拜态度。

超级现实主义

超级现实主义】超现实主义是20世纪60年代末在美国兴起的一个新的艺术流派这个流派的艺术家反对抽象艺术的潜意识情感，反对造型中不表现具体物体的做法他们认为画家 的主观想法应该被排除，是纯粹的客观、千真万确，甚至像摄影一样再现了图像，所以它也被称为“照相写实主义”

超现实主义画家经常在城市风光和乡村风光上作画，也有人专门从事肖像创作。克洛斯画过一些超现实主义的肖像，他描绘的对象强调的不是人物的内在精神，而是他们外表的相似性。这类作品非常庞大，不仅直接借助照片临摹，还经常用幻灯机在画布上投影，仔细描绘轮廓和各个部分，然后上色，作品极其逼真细腻，甚至有人说画出了一根头发：站在他的画前，你能感觉到画中人物的皮肤在呼吸、出汗，你甚至可以看到他们闪烁的痛苦、疲劳和恐惧的身体状况。画面呈现出一种冰冷、大多没有浪漫主义的高气质。他画的既不是人，也不是非人，而是一种还原到中性、只有生物功能的生物。

超现实主义艺术“It 它只是这个充满物质的世界中的一种物质”美国评论家卡纳德曾经说过：无论波普艺术和超现实主义有什么缺陷，作为反抽象运动，它们表现出与那些垂死的艺术截然不同的现实主义它们在20世纪有一个潜在的趋势，那就是延续自古以来最具表现力的形式，也是艺术家最能用的形式”。