美术

美术，又称“造型艺术”是一种造型艺术，它使用各种可用于塑造视觉形象的材料作为一种手段，在二维空间和三维空间中创造静态视觉对象，以满足人们的需求审美需求或实用审美需求。

美术”法语Beaux-Art, English Fine Arts part）这个词来自拉丁语“art”艺术），指相对于“自然造化”的“人工技艺”，泛指各种手工制作的艺术品和文学作品、戏剧、音乐等，也包括广义上的魔法、医学等。当这个词传入中国时，它在五四新文化运动中被广泛采用，并在早期被中国采用“美术”这个术语还包括诗歌和音乐，然后教育部门逐渐把它“美术”和“艺术”为了区分这些概念，“美术”成为了“艺术”一类，主要指造型艺术。

艺术的范畴大致可以分为绘画、雕塑、工艺美术、建筑等门类。根据材料和制作方法，绘画可分为水墨画、油画、版画、水彩画、丙烯画等。雕塑的类型可以分为石雕、木制雕塑、金属雕塑。工艺美术的主要类别是金属加工、木工、陶瓷、玉雕、景泰蓝、珐琅等。

绘画主要在一个平面上进行，视觉上相对静止；雕塑、建筑、工艺美术主要表现在三维空间中，用线条表现、色、形状创建一个具体的视觉图像，用点代替面、以静寓动、空间是表达它的主要方式，因为它在形式上是生动的。

中国美术

起源

在旧石器时代晚期，原始人已经发展成为后来智力更高的智人，而他们的生产技术、劳动工具和生活水平有了很大提高，无论是物质生活还是精神生活都在不断丰富，这为绘画艺术的产生和初步发展奠定了基础。在山西省朔州市支峪村，距今约328万年（比山顶洞人更早），发现了一块刻有猎人的碎片、羚羊、鸟类等动物骨骼是目前世界上最早的图画遗存。

发展

先秦时期，为了维护奴隶主和新兴封建贵族的统治，满足他们的奢靡生活，工艺美术有了很大的发展，但在工艺美术中，、雕刻、绘画、书法、建筑等，并以青铜器为代表，故称“青铜时代”先秦绘画人物竖立在正面，他们的地位通过他们的衣服和服饰来表达、身份，勾线平直流畅，设色采用平绘与渲染并重的方法，风格庄重而富有活力。篆刻书法主要是石器时代的陶器殷商时期的甲骨文和西周时期的金文。

秦、西汉（包括新莽）和东汉时期，都是中国和日本中国多民族封建社会刚刚建立和巩固，绘画艺术主要包括宫廷壁画、墓葬壁画和帛画在我国民族艺术风格的形成和发展中发挥了极其重要的作用。在西汉时期，绘画是对有功人员的奖励，它在宫廷壁画中也发挥了作用；东汉时期的吉祥图案“忠孝节义”历史典故在绘画题材中很常见。汉代厚葬的习俗使我们不断发掘壁画墓、在石砖墓葬中，还可以看到当时的壁画遗存。

魏晋南北朝是中国历史上一个相对复杂的时代，政治形势变化相对频繁。由此也可以看出，魏晋南北朝是一个艺术氛围浓厚艺术创新的时代，由此产生了文化的多元化发展。从秦汉时期无意识的艺术形式到有意识的艺术形式，其审美对象也从外在呈现转向了内在呈现。

隋唐五代是艺术发展的繁荣时期，其绘画风格总体上表现为“细密精致而臻丽”隋朝在政治、在经济一体化的背景下，南北文化交流不断加强绘画和雕塑一方面继承了上一代的艺术传统，另一方面又相互吸收和交融，呈现出承前启后的过渡性特征。由于唐代有着包容不同文化艺术的特殊气质，唐代美术既继承了本民族的传统，又吸收了许多外来的艺术风格，使作品呈现出一种丰富性、健康、充满活力的时代精神。

从五代到宋辽金，中国画得到了更多的发展和完善，特别是在宋代，中国画达到了前所未有的高度，宋代的绘画在内容上、形式、技能等方面都呈现出多姿多彩、多元发展的局面。自宋代以来，陶瓷制造业进入了鼎盛时期，无论是数量还是质量都大大超过了前代无论在造型还是装饰方面，陶瓷本身的艺术魅力都能得到充分展现，这使得宋代陶瓷在宋代工艺美术中占有一席之地。

元朝的画坛出现“大裂变”在外部因素的影响下，绘画世界被迫经历了自身的变化。因此，与宋朝相比，我们可以用“和而不同”总结元代绘画艺术。根据元朝的时代环境，我们可以将元朝的工艺美术概括如下：粗犷、豪放、强烈，追求精致奢华的艺术风格，以及浓厚的宗教色彩。

明代承袭宋代制度，重新建立画院，并继承元代文人画和宫廷画的水墨技法，在浙江形成民间画坛“浙派”的画风。而且，由于统治阶级有意提倡复古，大多数画家只会模仿宋人的画。但是，民间艺术的发展很好。欧洲的商贾、传教士来到中国，他们向中国传播天主教、在科学技术的同时，它也将西方古典艺术带到了中国，尽管这并没有引起中国画坛的反对“舶来品”的关注，却使中国人民大开眼界，促进了中西艺术的相互交流。

清代绘画艺术因其政治性、经济、思想文化的综合作用形成了自己独特的艺术风格。从元、从明朝开始，文人画开始流行、山水画繁荣、水墨写意成为主流，清代画卷也延续了这一趋势。清代书法贴书题跋各有优劣，各有优劣。而建筑和雕塑在这一时期，更多地表现为“质”与“俗”

现状

20世纪，中国出现了许多优秀的美术作品以艺术的方式再现了那个时代的历史和精神面貌。20世纪下半叶，中国 美国的综合实力和人民人们的物质生活得到了进一步改善，人民生活水平提高了s精神有了很大的提高、人们对文化生活的要求日益多样化，这给中国的文化艺术带来了巨大的推动力。在理论和实践上，中国现代艺术学校发扬传统的价值观和变革，主张中西语言融合。总的来说，中国的现代艺术呈现出一种繁荣景象、欣欣向荣、健康有序的局面是多方共同努力的结果，这也是显而易见的。

西方美术

起源

最早的西方艺术作品发现于大约3万至1万年前的旧石器时代晚期。最著名的是维也纳附近的威伦道夫宫出土的雕像，它被称为“威伦道夫的维纳斯”，又叫“母神雕像”在法国西南部和西班牙北部，人们在那里发现了一些非常著名的古董壁画，这些壁画以动物为主题，表达真实而生动。

发展

在中世纪，由于基督教的影响，艺术不再注重对客观世界的写实性描述，而是侧重于“心灵”的描绘。拜占庭帝国艺术、野蛮人入侵的部落艺术、继承罗马的后罗马艺术和哥特王国的残存艺术都形成于这一时期。中世纪艺术的最大成就是建筑的高度发展。在雕塑、嵌画、壁画等，结合宗教建筑。

文艺复兴时期的美术坚持写实的方式，体现人文主义理念，以追求希腊、罗马的艺术精神是旗帜，创造了一个全新的、符合现实人性的艺术。此时，可以说西方绘画自近代以来的绘画体系已经初具规模。这一时期的雕塑追求完美规范和对称、和谐、平衡、稳健，其基本风格和表现手法在现代西方雕塑艺术中占据主导地位并对其产生了深远影响。

18世纪，洛可可风格的艺术出现在法国，并很快传播到欧洲其他地区。追求美的洛可可式绘画、细腻地描绘了上流社会的幸福生活、以优雅女性为主题，其女性美学思想占据主导地位，美化女性成为当时一种时尚的艺术形式。

19世纪中期，在浪漫主义的影响下，法国画坛出现了现实主义的新潮流。随着法国现实主义绘画风格的兴起，现实主义绘画风格也开始传播到其他欧洲国家。随着时间的推移，19世纪末现实主义开始衰落，印象派开始兴起。

现状

进入20世纪后，随着工业革命、随着机械革命的到来，艺术家 艺术思维变得更加大胆、更加自由。20世纪至1945年的西方艺术被称为 quot西方艺术与艺术quot“现代主义”1945年至今的西方艺术被称为“后现代”纽约已经成为世界艺术之都。现代主义艺术是在与社会和人打交道、自然与自我的关系呈现出一种不和谐荒谬的状态、随机性和抽象性的关系。他的作品展现了现代人（也包括画家）心理创伤和异常心态，以及对现实生活的消极、悲观和失望，以及强烈的个人主义和虚无主义。西方后现代艺术试图突破“教条式”的“形式革新”，从而实现了对现代艺术的一种超越和反抗。

空间造型特征

艺术作品基本上是在二维或三维空间中表达的，而空间是其最重要的表达方式。在这个空间里，艺术作品以其独特的形状得到表达。因此，艺术通常被称为“造型艺术”空间艺术”比如传统绘画、书法是在两个平面上进行的，大多数雕塑、建筑在三个平面上进行。在这个二维、在三维空间中，艺术作品是按照一定的造型规则和方法呈现的。

美术

顾恺之是我国东晋时期著名的人物画家，其代表作有《女史箴图》和《洛神赋图》'以形写神，形神兼备'中国 的思想阐明了艺术创作的基本形式原则，巧妙地处理了形式与精神的对立统一关系，不仅注重对客观事物的描写，而且注重对物体内在精神的主观表现和艺术家的表现感情。近代著名画家齐白石先生也提到，画贵在似与不似之间，太似媚俗，不喜欺世。

西方绘画强调比例和透视的关系 光和颜色的变化，尤其是西方的印象派主张根据太阳光谱呈现的七种色调来反映自然的瞬间印象， 试图捕捉大自然中令人难忘的变化。在西方人的观念中，空间是一个静止的世界，空间中物体的变化并不影响其本质。因此，西方传统绘画所体现的空间意识不同于中国传统绘画所体现的生命力、动态时空交融的表达方式完全不同，而是呈现静态、客观物理化的空间意识。对于空间的表达，西方画家在绘画中从静态的角度客观真实地描述对象，表现出客观的物理空间意识。

视觉特征

因为传统艺术作品是相对静态的，一些新媒体艺术作品的本质也可以还原为许多相对静态的画面，比如动画。一部好的艺术作品首先应该吸引观众用静态视觉冲击吸引观众的注意力，然后利用观众 理解其内容并进行再创造，这需要强烈的真实感和存在感。艺术作品的相对静态性意味着艺术创作者需要更多的智力和生活经验才能使其作品在视觉上吸引观众的注意力。

中西方艺术最大的视觉差异主要是对光影的态度中国艺术需要俯视外部自然光，强烈的阴影光线会切断整体的微妙感应，这需要个人在艺术中多次观察和理解，超越时间和地点的限制以及光影的需求。西方的过渡环节是数字、 比例、逻各斯(言语、理性)概念、逻辑似乎与光无关，但希腊人相信这些能带来真理之光，而现实是盲目的、黑暗，因为它不是真的或假的，是非理性的，需要思想世界的光芒来照亮。

材质肌理特征

艺术作品涵盖的范围很广，每一类艺术作品所使用的材料都有很大的不同，这就要求创作者在表达艺术主题时将材料和质感结合起来，运用艺术的智慧使我们在观看时更容易从材料本身感受到创作者想要表达的主题。

以中国为例以美国绘画为例，它使用了中国几千年来发展的系统方法、特色笔墨材料，如毛笔、墨、宣纸等，在这些材料的相互作用下，形成了各种纹理和质感。以西方油画为例，它是一种油画笔、油画颜料在画布上留下的痕迹与中国水墨画产生的纹理有着本质的区别，这也造就了中西绘画的质感、审美趣味的差异。在艺术作品中，材料、视觉与相应的造型和空间表达可以很好地融合，然后通过布局、对比、节奏、平衡、统一等手法最终会形成一个完整的画面和主题表达。

绘画艺术

绘画（draw）它是一种将表面作为支撑面，然后在其上添加颜色的行为，例如纸张、油画布（canvas)木材、玻璃、漆器或混凝土等。从艺术术语的角度来看，绘画的意义还包括将这种艺术行为与图形相结合（drawing）构图和其他美学方法相结合，以表达作者想要表达的概念和含义。绘画的类别主要包括水墨画、油画、版画、水粉画、壁画和漫画等等。已知最早的绘画是法国的萧韦偃洞穴，一些历史学家认为可以追溯到3000年前。这些画是用红赭石和黑色颜料画的，主题是马、犀牛、狮子、水牛、猛犸象，也有狩猎归来的人。石洞壁画在法国、西班牙、葡萄牙、中国、澳大利亚和印度都很常见。

中国 中国绘画经历了几千年的发展，从最初的幼稚和不成熟，到现在已经形成了一个完整的艺术体系。从山水画、从花鸟画到人物画，再到人文主义绘画，人文主义绘画已经成为绘画的主流中国绘画的表现力不断得到拓展画得更有力。

从西方绘画的发展历史来看，从文艺复兴到18世纪中期，绘画基本上是以固有色彩为基础的，油画是西方绘画体系的主流。19世纪，西方出现了三个追求不同艺术表现形式的流派，即新古典主义、浪漫主义、写实主义。近代以后，西方油画受到东方文化的影响，绘画走上了多元化发展的道路。

中国画

中国画又被称为“国画”丹青”它是一种以毛笔为绘画工具的宣纸、帛、一种绘画形式，用墨水画丝绸然后装在卷轴上。中国画的产生和发展，无不反映着中国的传统“天人合一”画家在绘画时非常重视人与自然的关系，非常重视表达感情和意蕴。因此，中国非常重视绘画“意境”，把“意境”融入每一部作品。可以说，构图与意境的结合，借助构图形式来表现意境的魅力，是中国画最大的特点之一。

抽象国画

抽象中国画作为一种新的艺术流派，与自然图像几乎没有相似之处，但它具有很强的形式它是当代中国画的一种重要形式，引起了社会各界的关注和讨论。这种抽象画应该反映中国的文化元素，继承中国的传统绘画艺术、发展与升华。同时，这一源于“古”抽象中国画具有深刻的艺术理念，也是对中国和世界的一种诠释美国传统绘画“画艺”人们提出了更高的艺术要求。

油画

油画产生于15世纪的欧洲，是西方绘画的主要种类，它主要是植物油和颜料的混合物、树脂被混合并涂在处理过的画布上、木板、纸箱 和建筑物墙壁油漆。油画的主要特点是颜料丰富而明亮，可以充分表现物体的质感，使描绘的图像生动而艺术。而且油画颜料具有覆盖性强易于校正的特点，这也给艺术家带来了方便 艺术创作。

版画

版画是视觉艺术的一个重要类别，它基于刀具或木材中的化学物质、 石、麻胶、铜、在锌或其他纸张上雕刻或蚀刻后印刷的图片。版画艺术一直伴随着印刷技术的发明和发展。古代版硒主要是指木刻，但也有少数铜版画和套印不准。刀与木的独特品味使版画在中国文化艺术史上具有独立的艺术价值和地位。

素描

素描是一种独立的绘画艺术，主要使用单色线条和块来表现物体。在造型艺术领域，素描是其他造型艺术的必然基础加强素描训练可以提高对事物的认识和理解，培养正确的观察方法和塑造方法，进一步锤炼艺术语言的规律。

壁画

壁画是绘制在墙壁或屋顶上的图画，主要分为粗底壁画、刷壁画和贴壁画是人类发展史上最早的绘画艺术形式。在新石器时期，人类祖先就开始创作壁画，而随着文明的发展，壁画文化也逐渐发展起来。

雕塑

雕塑是一种造型艺术，是一种利用物体和技术创造三维图像的视觉艺术。在早期打磨石器和制作陶瓷坯体的生产过程中，人们逐渐培养和提高了造型艺术的审美观念，并摸索和积累了一套制作数字、有了动物形象的技术经验，就会有雕塑。雕塑按其制作方法可分为两大类雕塑和塑料。雕刻是指在完整而坚固的坯料上切割多余的部分、挖走，如石雕、木雕、玉雕等。塑料是指将它们与粘性材料结合形成所需的形状，如泥塑、陶塑等。雕塑按其使用目的可分为架上雕塑、纪念雕塑、装饰雕塑、建筑雕塑等等。

中国雕塑艺术从原始时代到秦汉，经历了33，356年的盛唐、宋朝到元朝的繁荣时期、明、由于清代战争的影响，雕塑艺术逐渐衰落，直到民国、近代才有所发展。中国古代雕塑艺术的主要内容是陵墓雕塑（包括地面上的纪念石刻和墓中的埋葬人物）宗教雕塑、民俗雕塑及其他内容。

西方雕塑的传统源于古希腊罗马文化，古典时期是希腊雕塑的鼎盛时期，当时希腊雕塑正在追求“真实的完美”对客观真实美的追求达到了顶峰。20世纪以来，西方雕塑发生了巨大变化当时，雕塑家没有新的想法，一群画家率先探索现代雕塑。到了现代雕塑时期，雕塑艺术的形式呈现出多元化的态势， 的民族性和地域性特征不再明显这一时期的雕塑以艺术家   自己的个性。

工艺美术

工艺美术是20世纪50年代中期才出现的概念其前身是民国时期北平国立艺专等机构提出的实用美术。工艺美术是指以日用品或装饰品为媒介的艺术，如餐具、纸艺、编织、绣、结艺、首饰、家居饰品、陶器、瓷器、玉器等等。工艺美术有美丽的形象不同的工艺语言和表现形式，对人们有着广泛而深入的影响通过处理不同的日常用品和生活环境来表达思想和感情。同时，工艺美术是人类生活在实践中的丰富和充实，也是一种审美观念。如今，工艺美术获得了与纯绘画同等的地位，得到了国际认可纯绘画是用颜料创作的，而工艺美术是用技法和材料创作的。

中国工艺美术起源于旧石器时代的石器。此后，在漫长的社会发展过程中，中国 年代青铜器、陶瓷、丝绸、刺绣、漆器、玉器、珐琅、金银制品和各种雕塑工艺品相继取得辉煌成就。中国 美国工艺美术历史悠久，对世界文化的发展产生了深远的影响。中国古代丝绸之路不仅给西方带来了精美的丝绸产品，还将蚕种和纺织技术带到了中国。陶瓷艺术之道是中世纪连接东西方的纽带。

工艺美术的发展是一个循序渐进的过程，艺术是从满足和促进生活需求开始的。在西方工艺美术的发展中，兴起于英国维多利亚时代的工艺美术运动的目标是实用艺术领域的手工生产活动可能被大规模生产方法完全取代、新产品失去艺术美感而产生的改革实践涉及建筑艺术、遗产修复、日用品生产等，论西方艺术思想、艺术设计理念的发展产生了重要影响。

建筑艺术

所谓的“建筑艺术”广义上是指建筑的艺术性根据美的规律，运用建筑艺术特有的艺术语言，使建筑形象既有文化价值又有审美价值，既有象征美又有形式美，还体现民族性和时代感。而且，建筑本身就是一件艺术品， 是由放大的自由空间构成的立体艺术品。建筑艺术可以分为纪念性建筑、宫室陵寝建筑、宗教建筑、住宅建筑、园林建筑、生产性建筑等。

中国 美国的建筑艺术是指根据中国的规划和设计美国哲学与创新思维方法、设计、建造、雕刻、装饰、布置、制造的过程，还是为了满足人类居住、由生产和其他生活需求创造的空间环境，如房屋、洞穴、桥梁、墙垣、道路、水利、家具等。

纵观西方历代建筑空间，从古希腊建筑空间到当代建筑空间，是一个从客观倾向到主观倾向的演变过程。这种建筑观念的变化体现了人类表达生命力的愿望，反映了人与自然的关系对更高层次架构的需求。为了从空间中获得一些新的体验和感受，形成事件“过程”

摄影艺术

摄影是指使用一些特殊设备记录图像的过程一般来说，我们使用机械相机或数码相机进行摄影。有时摄影也被称为摄影，即通过物体发出或反射的光对感光介质进行曝光的过程。摄影主要包括静物摄影、人像摄影、风光摄影、商业摄影等类别。摄影既是一项技术成就，也是一种文化现象。

书法艺术

中国 书法艺术是一种独特而精彩的艺术，它的表现形式是独特的，它使用独特的书写工具和设备以及独特的制作方法来展示汉字独特的民族文字符号。书法也包括中国书法、蒙古文书法、阿拉伯书法和英语书法。

绘画术语

色相

色调描述了一种颜色六边形，类似于三线绘制，可用于从RGB计算色调。红色放在 0，绿色放在 120，蓝色放在 240。其中，“色相环”它是将不同色调的颜色排列成一个环，以方便使用。

色度

色度是指颜色的纯度，也称为饱和度或色度，即“色彩三属性”之一。例如，猩红色比玫瑰红更红，这意味着猩红色的色度更高。它是HSV颜色属性模式，孟塞尔颜色系统（将空间分为三个维度色调亮度和色度）描述性颜色变量，如。

明度

亮度是指颜色的亮度不同的颜色有不同的亮度例如，黄色比蓝色更亮如何在一幅画中安排不同亮度的色块也有助于表达画作的感情如果天空比地面低，就会产生一种压抑的感觉。

色调

色调不是指色彩的性质，而是对一幅画的整体评价。虽然一幅画使用多种颜色，但它通常有一种色调，即蓝色或红色，温暖或寒冷等等。如果工作不顺利没有统一的色调，看起来会很混乱。但如果都是不一致的小色块，整体效果也给人统一的色调。

颜色

颜色或色彩是通过眼睛、大脑和我们的生活经验产生的光的视觉效果。人民与政治人类对颜色的感知不仅取决于光的物理特性例如，人和人类对颜色的感知经常受到周围颜色的影响。有时人们也把物质产生的不同颜色的物理特性直接称为颜色。

构图

构图是艺术中常用的技巧和术语。尤其是在绘画和摄影中，构图这个词经常被使用。一篇好的作文可以让平凡的事物变得无与伦比，一篇糟糕的作文会让一个有魅力的主角变得庸俗。

雕塑术语

透空间

通过空间是在雕塑实体上打孔或洞，或使用线条来排列它们，这使雕塑的某些部分透明，显示出一种轻盈感，可能包括被吃掉、被腐蚀的意思。

速塑

快速成型是一个雕塑术语，一般指在短时间内成型、用简要的方法、一种素描雕塑，其中塑料泥或塑料材料被塑造成物体的形状和魅力。

饱满度

从一点向外扩张和向内挤压的僵持状态，即离心力和向心力相互抵消的空间，反映了生命形式内在张力的视觉效果，是生命力的确切体现。这种膨胀度即为“饱满度”，是衡量雕塑艺术的标准之一。

最佳视点

最佳视点通常意味着观看者可以获得最佳的视觉效果、2从被观察物体的高度.5倍处。

工艺美术

包金

包金（Rolling   gold）它是指通过机械力轧制或高温焊接在银或金属基体表面包裹极薄的金或k金箔的方法。

编织

人类使用工具或手使条带相互交织或相互钩住，并将其组织成用于编织的条带或块。

金属工艺是中国工艺美术的一个特殊类别，主要包括景泰蓝、烧瓷、包金、错金、冲线错金、金花丝镶嵌、斑铜工艺、锡制工艺、铁画、金银首饰饰品等。

建筑艺术

尺度

比例研究建筑物的整体或局部组成部分与人们熟悉的物体之间的比例关系，以及这种关系给人的感觉。在建筑设计中，经常使用人或一些与人类活动有关的不变元素，如门、台阶、作为比较标准，栏杆等，通过与他们比较获得一定的规模感。

正负零

正负零”是指主体工程的一个基准面，在此基准面下工程完工，到了进行主体工程地上施工的时候，即主体工程达到“正负零”

拉筋

支撑，建筑术语，主要用于提高钢骨架的整体性并起到拉筋作用。

建筑设计

建筑设计(Building   Design  )是指建筑在施工前，设计者根据施工任务，对施工和使用过程中存在或可能出现的问题，事先作出全面的设想，并拟定好解决这些问题的方案、用图纸和文件表示的方案。

中国美学

中国 正在介绍美国当代美学研究、在学习西方美学的基础上，发展了一个多世纪。从第一次引进西方美学理论开始，新中国成立后，五、从20世纪60年代的美学大讨论到80年代的美学热潮和美学研究的不断深入，中国 美国当代美学基本形成了以实践美学为主流的当代美学理论体系。从美学理论的角度来看，当代中国美学大致可以归纳为三种形态：一是认识论美学；二是实践论美学：三是价值论美学。

认识论美学

这是当代中国美学非常重要的美学理论形态，也曾经是当代中国美学研究的重要研究范式。人民与政治美国的目标是建设中国、科学的、马克思主义文艺、美学意识形态，也就是说，“新美学”认识论美学认为人类审美活动是一种认知活动。自然和认识论构成了美学的哲学理论基础。

在20世纪五六十年代的美学讨论中，形成了四种具有代表性的观点：一个是以蔡仪为代表的客观主义美学，另一个是吕颖、以高尔泰为代表的主观美学以朱光潜为代表的主客观统一美学和以李泽厚为代表的客观社会美学。这四种美学观点有其理论背景、思维模式、研究范式本质上是认识论的。虽然这四种观点后来都有所发展，但只有蔡仪 经过长期不懈的努力，美国客观主义美学已经形成了一个完整的认识论美学体系。

实践论美学

当代中国美学的第二种理论形态是实践美学。与认识论美学不同，实践美学以马克思主义实践哲学为理论框架，将审美活动置于人类社会实践的历史背景中、理解。

价值论美学

价值论美学认为，审美创造是一种价值创造活动，即审美价值创造活动。审美活动是一种价值评价活动，是审美主体对审美客体的一种评价活动。马克思和斯的客观性理论，尤其是手稿中的客观性理论，构成了价值论美学的哲学理论基础。

在价值论美学中，审美客体是审美客体，审美创造是审美主体的对象化，审美活动是审美主体对审美客体的评价，二者呈现出一种客观关系。审美价值是价值论美学研究的核心问题。审美需要是审美主体研究中的一个重要问题。按照美的规律创造审美主体是创造审美价值的关键。审美评价是审美价值的最终实现。

西方美学

18世纪，鲍姆童嘉定义了美学， 奠定了人类知识体系的三分结构， 人有了新的认知视野， 人能够从美学的角度重新认识和发现事物，从而使旧理论显示出新的意义。对于美学这一新兴学科来说，人们在各自的视野和时代背景下不断地向旧的事物学习新的东西， 中有无穷无尽的美学理论。

宇宙论美学

早在柏拉图和亚里士多德之前，美学思想的雏形就已经出现。 和s关于美的思考并不占据核心地位， 大多是几句话， 不是一个模式。然而，正是在这些关于美的模糊而笼统的思想中， 几乎可以找到当代审美问题的起源。 美与真、 善良上升到对宇宙的终极描述。毕达哥拉斯认为宇宙是一个宏大的整体，其中所有的组成部分都整合成一种和谐的关系，美就体现在其中。柏拉图构建了理性至上、 等级乌托邦， 这里， 艺术的尺度必须纳入政治、 道德和宗教判断。

文学心理美学

美学理论的存在必须依赖于一个关于世界和认知的宏大概念和理论一旦这种语境发生变化，我们的思维方式和角度也会发生变化，而这种转向被视为一种思潮。此时，美学问题不再包含在一个大网络中，而是分成许多不同的小块，这些部分的理论也构成了一个自足的整体， 所有这些都具有一定的局限性， 在不同程度上忽略了 面孔的其他元素和概念。在18世纪，美学的焦点是审美对象不再以审美本质作为思考的前提，但 已成为审美主体的衍生物。迄今为止， 西方美学仍然把艺术哲学作为其主要趋势之一。

语言论美学

美学无处不在， 导致美学的失败， 的主体逐渐失去存在的根基。此时，  a  “语言学转向” 带来的新思潮来袭19世纪末， 始于语言学家索绪尔， 要求主语 s的基本点应该建立在客观语言的基础上。语言系统不仅是个体意识的表达和规范，也是社会历史的普遍结构。 

后美学

如今， 美学的整体格局经历了变化 美学的研究领域更多地体现为与外界的联系， 不再被简单地定义为一门自洽的学科。后美学可以看作是后现代主义背景下的美学，它的出现和理论意义是由这种喧嚣的语境所确立的。 研究学者潘知常认为， 不仅是审美的泛化，也是审美的异化。

艺术是大美的基础，它使用视觉元素来表达情感、创造想法和信息的过程。艺术家把他们自己的观点、情感、想象，通过绘画、雕塑、建筑等，以有形的形式呈现。在这些作品中，观众不仅看到了艺术家 有才华和技能，也有深刻的思想和情感。考虑到任何艺术作品都离不开审美价值，讨论艺术和美术的价值和影响必须以审美为核心，将美术的价值和影响作为一个整体联系起来。

情感传递和文化交流

艺术作为一种创新的表现手段，是一种形式多样的艺术、传达情感的多种媒介、观念、文化的艺术。虽然艺术不像实用技术那样实用，但它的影响力是巨大的，其价值是不可估量的。艺术可以促进不同国家之间的文化交流。不同的文化和时代会形成自己独特的艺术风格和形式。在欣赏各个时代艺术作品的过程中，我们可以了解各个地区、对每个国家的文化和历史有一个大致的了解。同时，艺术作品也是一种社交手段，可以拉近人与人之间的距离，增进相互了解和沟通。

审美价值

艺术欣赏也可以促进人与人之间的交流从某种程度上来说，他的审美能力很强。通过对艺术作品的欣赏，参观者可以欣赏到其中展示的真善美，从而潜移默化地走近、认可甚至钦佩这种真善美的价值和力量，进而获得人生观、世界观和人文精神的提升与飞跃。美学的理论基础在美育实践中起着极其重要的作用它既是美育的行为取向和依据，也是美育实践的理论基础和支撑学校和教育工作者需要与时俱进，紧跟时代脉搏，提高自身的审美素养，在实践中不断丰富和提高自身的审美理论基础和美育实践能力，更好地完成时代赋予的美育育人任务。

经济效益

艺术也能带来一些经济利益。艺术市场的增长不仅为艺术家和设计师带来了广阔的发展空间，也促进了画廊的发展、博物馆拍卖行和其他行业的发展。艺术的影响是深远的，它的价值是不可估量的。它既是感情的表达、表达思想、促进文化交流的艺术是另一种美学、促进经济发展的艺术。